Was ist Good For Her Cinematic Universe? Und warum muss ich nicht für immer ein Happy End haben

In der letzten Szene von Knives Out (2019) blickt die Protagonistin der Ensemblebesetzung, Ana De Armas, vom Balkon des Thrombey-Anwesens herab, der Familie, deren Vermögen sie gerade geerbt hat. Nach einer Reihe von Ermittlungen des Privatdetektivs Benoît Blanc, gespielt vom bezaubernden Daniel Craig, stellt sich heraus, dass der berühmte Krimiautor, um den sich das Mädchen kümmerte, sein gesamtes Vermögen ihr hinterlassen hat und nicht einer Gruppe zynischer und egoistischer Familienmitglieder. Auf ihre Weise versuchten sie sogar, sie loszuwerden, um sicherzustellen, dass sie keinen einzigen Cent ihres Vermögens erhielt, nur um dann aus dem Haus geworfen zu werden, während die junge Frau aus ihrer neuen Tasse trinkt, auf der steht: My House, My Rules, My Coffee (wobei bewusst die letzten beiden Sätze verdeckt und „Mein Haus“ besonders betont wird). Der Film, geschrieben und inszeniert von Rian Johnson, ist zu einer Saga geworden, die 2022 fortgesetzt wurde und 2025 zurückkehren wird. Die letzte Szene verkörpert perfekt die Essenz des Kinouniversums von „Good for Her“. Es ist das klarste und anschaulichste Beispiel für ein Subgenre, das in der Mainstream-Kultur immer mehr an Bedeutung gewonnen hat. Ein Erzählstrang, in dem die Frau, die sich durchsetzt, nicht unbedingt einem Mörder oder dem sicheren Tod entkommt, wie es in einer bestimmten Sparte des Horrors (dem Slasher) der Fall ist, sondern eine Art Film, in dem sich nach allem, was ihr widerfährt, die Dinge nur zum Besseren wenden können. Dies bedeutet nicht unbedingt ein Happy End, sondern eher das Bewusstsein, dass die Figur von ihrem Anfangszustand zu Beginn des Films zu einem Ende übergegangen ist, das das Beste ist, das sie sich erhofft hatte — unabhängig davon, ob sie richtig oder manchmal sogar falsch gehandelt hat.

Die Definition des Good for Her Cinematic Universe wurde erstmals in Anlehnung an die Figur von Lucille Bluth in der Comedy-Serie Arrested Development geprägt. Die von Jessica Walter gespielte Matriarchin der von Mitchell Hurwitz kreierten Serie reagiert mit dem Satz „Gut für sie“ auf eine Fernsehnachricht über eine müde und gestresste Frau, die ihr Auto in einem See versinken lässt. Der Kommentar sagt zwar viel über Lucilles Charakterisierung aus — absurd und fragwürdig, genau wie alle Mitglieder der Arrested Development-Familie (und aus diesem Grund unwiderstehlich), aber seine Verwandlung in ein Meme über soziale Medien hat im Laufe der Zeit dazu beigetragen, eine bestimmte Botschaft zu vermitteln. Die Idee, mit eigenen Füßen zu wurzeln und sich persönlich zufrieden zu fühlen, wenn eine Frau ihr eigenes Leben in die Hand nimmt, ihre Ziele erreicht und erobert — oder sich sogar von ihnen befreit. Ich warte nicht mehr darauf, dass sie zu ihr kommen (obwohl das manchmal auch passiert — denken wir immer an Knives Out), sondern sehe sie öfter aktiv daran, das zu erreichen, was sie sich am meisten wünscht.

Obwohl dieses Subgenre nicht formell kodifiziert ist, gibt es bestimmte Erzählregeln, denen dieses Subgenre folgt — flexibel und variabel, wobei dennoch eine Art Rahmen für diese Art von Geschichten beibehalten wird. In erster Linie muss die fragliche weibliche Figur oft komplexe Situationen überwinden und sich manchmal durch soziale Probleme zurechtfinden, mit denen sie sich auseinandersetzen muss (wie Sexismus), manchmal muss sie sich mit Hindernissen auseinandersetzen, die durch bestimmte Umstände verursacht werden und oft mit Missbrauch oder einer traumatischen Erfahrung zusammenhängen. Dann folgt die Entwicklung des Erzählbogens der Figur, die das Streben nach ihrer eigenen Autonomie, das Lernen, sich zu verteidigen, ungünstigen Situationen zu entkommen und vor allem die Erkenntnis beinhalten muss, dass sie sich selbst an die erste Stelle setzen muss. Schließlich ist das dritte Schlüsselelement der Filme von Good for Her die Betonung und Würdigung der Frauenrechte — und manchmal sogar ihrer Fehler. Dieser letzte Punkt stellt traditionelle Vorstellungen darüber in Frage, wie Frauen sich verhalten sollen und wie das Subgenre diese Perspektive verändert hat: Die Protagonistinnen handeln nicht immer rechtschaffen, um das zu erreichen, was sie wollen, aber das Publikum versteht, warum sie das tun, und deshalb verdienen sie Unterstützung.

Horror ist sicherlich ein fruchtbarer Boden für diese Art von Wachstumsbogen, zu dem oft die Heilung eines Traumas gehört, das die Protagonisten am Ende erreichen können. Anders als in Slasher-Filmen haben wir es aber nicht mehr mit einem finalen Mädchen zu tun, denn die Protagonistin versucht nicht einfach, der scharfen Waffe eines Killers zu entkommen — was an sich schon eine weitere genrebezogene Metapher ist, die oft mit Sexualität und ihrer Bestrafung durch eine Klinge in Fleisch und Blut verbunden ist. Stattdessen geht es darum, sich auf eine Reise der Selbsterkenntnis zu begeben, die auf vielfältige Weise zur Erlösung führen kann. Thomasin aus Die Hexe ist Teil der GFHCU, erstickt von den religiösen Zwängen ihrer Familie und entdeckt schließlich im satanischen Höhepunkt von Robert Eggers Film ihre wahre Natur. Susie Bannion aus Luca Guadagninos Suspiria entpuppt sich letztendlich als die mächtige Mutter Suspiriorum — nicht nur eine Tänzerin, die die Beste der Akademie werden will, sondern auch die oberste Instanz, die beschließt, die Kontrolle über den Hexenzirkel zurückzugewinnen und die von Helena Markos gestörte Ordnung wiederherzustellen. In Us wird eine Gruppe von Doppelgängern von Red dazu gebracht, in die Oberflächenwelt einzudringen, aber erst am Ende entdecken wir, dass die Protagonistin die ganze Zeit ein Mensch war und lediglich versuchte, ihren rechtmäßigen Platz in der Welt zurückzuerobern. In jüngerer Zeit erzählt Heretic die Geschichte zweier mormonischer Mädchen, die das Haus eines frommen Atheisten betreten, der sie einsperrt und versucht, sie davon zu überzeugen, dass er ein Wunder entdeckt hat — nur eine von ihnen wird aus ihrer Gefangenschaft entkommen können, sei es religiös oder anderweitig. Mit der X-Trilogie hat uns Ti West die ultimative moderne Heldin gegeben, Maxine Minx. Aber erst in der dritten und letzten Folge sehen wir, wie sie ihr Ziel erreicht — nach vielen Todesfällen und verschiedenen Tragödien — und ein Star zu werden (obwohl Pearl auch eine Persönlichkeit hat, die zum Archetyp von Good for Her passt).

Dann ist da noch die romantische Seite des Horror-Genres Good for Her, in dem sich die Protagonisten durch das gewalttätigste aller Genres aus einer toxischen Beziehung befreien können. Das beste Beispiel ist Dani aus Midsommar, wo Florence Pugh sich nicht nur von ihrem schrecklichen Freund Christian befreit, sondern auch die Maikönigin einer unwahrscheinlichen schwedischen Gemeinde wird. In Ready or Not erkennt Grace leider den Fehler, Daniel zu heiraten, erst, als sie in ihrer Hochzeitsnacht gezwungen ist, den Abend damit zu verbringen, mit der Familie ihres Mannes Versteckspiel zu spielen — wo gefunden zu werden bedeutet, brutal getötet zu werden. Die letzte Zigarette, die sie raucht, nachdem sie die gesamte Familie ihres (Ex-) Mannes ausgelöscht hat, ist pure Katharsis. Zu den jüngsten Ergänzungen der Liste gehört Irish, die Protagonistin von Companion, einem Roboter, der nicht nur als Freundin ausgenutzt wird, um die emotionalen und sexuellen Bedürfnisse aller zu befriedigen, die sie kaufen (oder vermieten), sondern der im Film von ihrem Partner Josh manipuliert wird, einen Mann zu töten, um ihn zu decken. Manchmal liegt es an der Science-Fiction, uns zu zeigen, dass Androiden menschlicher sein können als solche aus Fleisch und Blut, und genau das ist in Drew Hancocks Film mit Sophie Thatcher der Fall. Es folgt den Spuren von Ex Machina, allerdings in einem völlig anderen Genre und Ton. Ein weiterer Good for Her-Film, der wie Companion mit einem Paartreffen in einem Supermarkt beginnt und später enthüllt, dass der Mann ein Soziopath ist, ist Fresh von Mimi Cave mit Daisy Edgar-Jones als Opfer und Sebastian Stan als Kannibale.

Dann gibt es Charaktere wie Amy Elliott aus Gone Girl, die vielleicht etwas zu weit gegangen sind, um ihr Verschwinden vorzutäuschen, versucht, ihren Ehemann Nick anzuhängen und eine Spur des Todes hinter sich zu lassen. Aber die Wahrheit ist, sie hatte es satt, auf die Rolle des „coolen Mädchens“ beschränkt zu sein, genau das Bild, das ihr Mann, ihre Familie und die Gesellschaft insgesamt ihr aufgezwungen hatten. Am Ende hat sie jedoch immer noch Erfolg, und als ihr Plan in David Finchers Film unentdeckt bleibt, ist es ein Gefühl der Befriedigung, wenn sie damit durchkommt, auch wenn sie wieder bei Nick landet. Es ist eine Art Rache, die die Machtdynamik innerhalb des Paares verändert — vielleicht müssen sie zusammen bleiben, aber nicht unter den gleichen Bedingungen wie zuvor. Rache bleibt eine solide Grundlage für Protagonisten, die Teil der GFHCU sein wollen. Dies gilt in übernatürlichem Sinne für Megan Fox' Charakter in Jennifer's Body, einem Film, der im Laufe der Jahre zu einem Kultklassiker geworden ist. Nachdem sie einem Angriff (in Form eines Rituals) ausgesetzt wurde, ist sie von einem Dämon besessen, der Männer verschlingt, um ihre Jugend und Schönheit zu erhalten — während ihre Freundin Needy letztendlich ihren eigenen Weg der Rache einschlägt und sich und Jennifer rächt. Das gilt auch für Lee Geum-ja, die wegen des Mordes an einem Kind in Lady Vengeance zu Unrecht inhaftiert ist und beschließt, die Gerechtigkeit selbst in die Hand zu nehmen, indem sie die wahren Schuldigen ins Visier nimmt. Das gilt auch für Jen in Revenge, deren Name schon ihr Schicksal erahnen lässt — sie muss überleben, indem sie ihre Täter in Coralie Fargeats Vergewaltigungs- und Rache-Thriller eliminiert.

Und im weiteren Sinne gilt das auch für Cassie in Promising Young Woman. Auf der Suche nach Rache an den Verantwortlichen für den Tod ihrer besten Freundin — die vergewaltigt und auf einem Handy gefilmt wurde — wird Cassie nicht nur zu einer Bedrohung für die an dem Verbrechen Beteiligten, sondern auch zu einer Bürgerwehrfigur, die alle Frauen verteidigt, die seit langem männlicher Gewalt ausgesetzt und Opfer dieser geworden sind, die von einer patriarchalischen Gesellschaft weitergeführt und geschützt wird. Es ist eine enorme Verantwortung, vor der weder Cassie noch Regisseur Emerald Fennell zurückschrecken, was den Film zu einem wahren Manifest macht, trotz des tragischen Schicksals seines Protagonisten (oder vielleicht gerade deswegen). Das Gleiche gilt für Poor Things, wenn es darum geht, die eigene Identität zurückzugewinnen. Nach den Experimenten einer Wissenschaftlerin wiedergeboren und nachdem sie ihr ganzes Leben von der Kindheit bis zum Erwachsenenalter in einem bereits entwickelten Körper gelebt hat, gespielt von Emma Stone, begibt sich die Protagonistin Bella Baxter in Yorgos Lanthimos Film auf eine wahre Reise der Selbstbestimmung. Sie lernt etwas über Sex, Vergnügen, Arbeit, Kultur und kehrt schließlich in das Haus zurück, in dem sie angefangen hat, aber mit einem neuen Bewusstsein — vor allem ihrer selbst. Ganz zu schweigen von ihrem filmischen Gegenstück aus demselben Jahr, Barbie, die am Ende des Films endlich behaupten kann, eine Vagina zu haben. Margot Robbie scheint sich über ihre Produktionsfirma LuckyChap dem Subgenre verschrieben zu haben, sowohl in es zu investieren als auch darin die Hauptrolle zu spielen (ein weiterer Film, in dem sie zu sehen ist, ist die Comicverfilmung Birds of Prey). Ob es ein Musical über die Goldenen Zwanziger (Chicago) ist, einer der bekanntesten Anime-Filme aller Zeiten (Kiki's Delivery Service), ein Horror-Meisterwerk (Carrie), ein Thriller-Noir der 1970er Jahre (Jackie Brown) oder ein faszinierendes Drama (Swallow), wenn Sie sehen, wie eine weibliche Figur das Ende ihrer Geschichte erreicht — stark, unabhängig, teilweise unversehrt und vor allem glücklich, können Sie nicht Hilfe aber schau auf den Bildschirm, nicke ein stimme zu und denke, genau wie Lucille Bluth: gut für sie.