„Kleidung ist nicht nur ein Ausdruck der eigenen Persönlichkeit, sondern auch ein Element, das Geschichten erzählen kann.“ Interview mit Cecilia Molardi, der Designerin, die jede Kollektion in eine Geschichte verwandelt, die man tragen kann

Für Cecilia Molardi, Jahrgang 1992 und Gründerin von Amelia Design Studio, war Mode nie nur eine Frage der Kleidung. Noch bevor es zu einem Beruf wurde, war es eine Sprache, ein kreatives Spiel, das ihre Mutter „die Welt der Möglichkeiten“ nannte: sich etwas vorstellen und es dann verwirklichen können. Mit der Zeit verwandelte sich dieses Spiel in ein Mittel, um die eigene Identität zum Ausdruck zu bringen, bis es schließlich zum Medium wurde, durch das Emotionen, Charaktere und Geschichten Gestalt annahmen. So entstand Amelia Design Studio, ein Projekt, das die Sprache des Theaters mit zeitgenössischer Schneiderei verbindet und so geschlechtsneutrale Kollektionen ins Leben ruft, die in Italien handwerklich gefertigt und wie echte narrative Werke gestaltet sind. Wir haben mit Cecilia Molardi über die Beziehung zwischen Theater und Mode, den Wert des Handwerks und darüber gesprochen, was es heute bedeutet, Kleidung zu entwerfen, die Geschichten erzählt.

Interview mit Cecilia Molardi von Amelia Design Studio

Du hast in Paris Theater studiert, bevor du das Amelia Design Studio gegründet hast. Gab es einen bestimmten Moment, in dem dir klar wurde, dass dir Kostümdesign nicht mehr ausreichte und du Geschichten durch Kleidung erzählen wolltest?

Ja, ich habe Theater und Schauspiel in Paris studiert, nachdem ich die Regisseurin Chantal Melior kennengelernt hatte, sowie in Mailand an der Accademia del Teatro Arsenale, wo ich mein Schauspiel-Diplom erworben habe. Durch meine eigenen Erfahrungen auf der Bühne kam ich der Welt der Kostüme näher und bewunderte die Arbeit der Kostümbildnerinnen hinter den Kulissen. Mir wurde klar, dass Kleidung nicht nur ein Ausdruck der eigenen Persönlichkeit ist, sondern ein Element, das Geschichten erzählen und die Erzählung unterstützen kann. Im Theater, sind Kostüme und Bühnenbild regelrechte zusätzliche Darsteller: Sie sind Teil desselben erzählerischen Prozesses. Von da an wurde mir klar, dass sich diese Erzählweise in die Alltagswelt übertragen lässt, sodass das Kleidungsstück tatsächlich zur Figur wird. Schon als kleines Mädchen habe ich das Anziehen übrigens als einen zutiefst persönlichen und zugleich sozialen Akt erlebt: eine Art, die Welt zu bewohnen und zu vermitteln, wer wir sind.

Deine Kollektionen gehen immer von einem Theaterstück oder einem literarischen Werk aus. Wenn du ein Projekt beginnst, entsteht dann zuerst ein Bild, eine Figur oder ein Gefühl?

Ich würde sagen, all diese Dinge entstehen gleichzeitig. Der wohl greifbarste Teil ist am Anfang das Bild. Aus einem Gefühl entsteht in mir automatisch eine Art fotografischer Rahmen, eine visuelle Momentaufnahme. In diesem Rahmen wird das gesamte Werk – sei es literarisch oder theatralisch – durch eine Kombination aus Linien, Geometrien, Farben, Materialien und Formen zusammengefasst. Innerhalb dieses Bildausschnitts sind die Figur und das sie umgebende emotionale Spektrum bereits umrissen, und genau aus diesen visuellen und strukturellen Elementen entwickelt sich dann die gesamte Kollektion.

Deine Silhouetten sind ganz bewusst geschlechtsneutral, scheinen aber keinem Trend hinterherzulaufen. Was bedeutet es für dich, ein Kleidungsstück zu entwerfen, das jedem gehören kann?

So wie ich Mode schon immer erlebt habe, ist der Trend nie die Priorität. Sicher, ob wir wollen oder nicht, werden wir alle von dem beeinflusst, was wir um uns herum sehen, auch ohne der Mode zu folgen. Aber für mich muss ein Kleidungsstück in erster Linie eine Stimmung, eine Persönlichkeit, das Wesen des eigenen Selbst zum Ausdruck bringen. Außerdem muss es eine Körperlichkeit unterstreichen, die sich wohl und ungezwungen fühlen muss, ohne in vorgeschriebene Kleidungsstücke, Formen und Geschlechterrollen gezwängt zu werden. Genderless-Kleidung zu entwerfen bedeutet für mich Freiheit: sich von auferlegten Konventionen zu lösen und freie Formen zu schaffen, die die Identität jedes Trägers widerspiegeln.

Du arbeitest mit lombardischen Handwerksbetrieben und Stoffen aus Lagerbeständen zusammen. Ist diese Entscheidung aus einer ethischen Überzeugung, aus produktionstechnischen Erfordernissen oder aus beidem entstanden?

Sie entspringt definitiv beiden Aspekten. Es gibt zweifellos eine starke ethische Überzeugung: Ich möchte kleinere Handwerksbetriebe unterstützen, insbesondere italienische. Unser Land hat eine außergewöhnliche Handwerkstradition, und es würde mir leid tun, wenn das Handwerk von der industriellen Produktion, der Überproduktion und der Ausbeutung erdrückt würde. Außerdem gibt es da noch eine persönliche Verbindung: Ich selbst habe als Handwerksschneiderin angefangen und komme aus Cremona, einer Stadt, in der man das Handwerk dank der Tradition des Geigenbaus überall spürt. Das Konzept der Werkstatt und der „langsamen Arbeit“ ist daher Teil meiner Ausbildung und prägt das, was ich liebe. Hinzu kommen natürlich die produktionstechnischen Anforderungen: Da ich eine kleine, aufstrebende Marke bin, ermöglicht mir die Zusammenarbeit mit kleinen Werkstätten, minimale Stückzahlen zu bewältigen und viel flexibler zu sein. Dies führt zu einer Arbeitsweise, die detailorientierter und weniger hastig ist. Das Gleiche gilt für die Verwendung von Lagerstoffen: Diese Entscheidung wird sowohl von ethischen Gründen – der Vermeidung von Überproduktion und Verschwendung – als auch von der praktischen Notwendigkeit geleitet, die Mengen nachhaltig und maßgeschneidert für meine Situation zu verwalten.

Wenn man sich in zehn Jahren nur an eine einzige Sache von Amelia Design Studio erinnern sollte, welche wäre das dann deiner Hoffnung nach?

Aus konzeptioneller Sicht würde ich mir wünschen, dass die Idee des Kleides als Figur und als reine Erzählung im Gedächtnis bleibt. Diese tiefe Verbindung zwischen Theater und Mode habe ich sicherlich nicht erfunden, aber in meinem Fall ist sie wirklich tief verwurzelt: Ich empfinde und entwerfe jede Kollektion genau so, als wäre sie eine Inszenierung. Allerdings im Alltag. Aus praktischer Sicht hingegen würde ich mir wünschen, dass man sich an die Marke vor allem wegen des Anzugs aus Blazer und Hose erinnert. Ich würde mich freuen, wenn meine Suche nach neuen Linien und einer neuen Art, den Anzug zu verstehen, anerkannt und geschätzt würde: etwas kastenförmigere, strukturierte Silhouetten, die aber gleichzeitig den Körper umschmeicheln und nicht zu steif sind. Es wäre eine große persönliche und berufliche Genugtuung, wenn diese Silhouette von mir ihren Platz in der Geschichte des Blazers finden und einen neuen, ikonischen „Anzug“ schaffen würde.