„Wir fangen dort an, wo die Geschwindigkeit aufhört“ Interview mit Gaia Rialti, Gründerin von Menabòh, einem italienischen Atelier für Archiv-Redesign

"Ich bin die Gründerin von Menabòh, einem italienischen Atelier für Archiv-Redesign. Bevor ich Menabòh gründete, habe ich mein Studium der Betriebswirtschaftslehre abgeschlossen und einen Master in Fashion Brand Management am Polimoda erworben. Ich habe jahrelang in der Mode- und Beautybranche gearbeitet: zunächst bei Ferragamo, dann bei der L’Oréal-Gruppe, unter anderem bei YSL Beauté, Biotherm und Helena Rubinstein, und mir dabei eine solide Grundlage in den Bereichen Markenstrategie, Marketing und Handelsmarketing“, so beginnt unser Gespräch mit Gaia Rialti, die eine neue und individuelle Art entwickelt hat, die eigene Kleiderkollektion zu verwalten und sie neu zu erfinden. 

„Menabòh entstand aus meinem Wunsch, einen unternehmerischen Weg einzuschlagen, und aus einer sehr persönlichen Geste: Ich ließ von befreundeten Designerinnen ein Kleidungsstück aus dem Archiv meiner Mutter neu gestalten, und von diesem Moment an wurde mir klar, dass daraus etwas Größeres werden könnte. Was als ganz persönliches Bedürfnis begann, hat sich zu einer umfassenderen Vision entwickelt: ein italienisches Atelier, das die bedeutendsten Kleidungsstücke aus deinem Kleiderschrank neu gestaltet, sie in zeitgemäße und einzigartige Einzelstücke verwandelt“ – einfach, aber revolutionär. Und mit einer schönen Botschaft der Erinnerung, noch bevor es um Wiederverwendung geht.

Interview mit Gaia Rialti, Gründerin von Menabòh

Menabòh entstand aus der Idee, die Garderobe als persönliches Archiv neu zu interpretieren: Wann hast du erkannt, dass der „neue Luxus“ nicht darin besteht, etwas Neues zu schaffen, sondern das bereits Vorhandene neu zu interpretieren?

Durch meine Arbeit in der Modebranche und im Beauty habe ich die Logik der Kollektionen, der Markteinführungen und des zwangsweise Neuen aus nächster Nähe miterlebt. Und ich begann mich zu fragen: Wo liegt eigentlich der wahre Wert? Als ich einige Kleidungsstücke im Archiv meiner Mutter wiederentdeckte – wunderschöne Stücke von einer Qualität, die man heute kaum noch findet –, spürte ich, dass da etwas Ungelöstes war. Kein Stilproblem, sondern ein Mangel an Mitteln: Es gab keinen Ort, an dem diese Kleidungsstücke ernst genommen und als Ausgangsmaterial für etwas Neues behandelt wurden. Luxus lag für mich nie im Preis oder im Logo. Er liegt vielmehr in der Bedeutung, und die tiefste Bedeutung findet sich in dem, was man bereits besitzt , wenn man weiß, wie man es weiterentwickeln kann. Von diesem Moment an habe ich aufgehört, nach dem richtigen Behälter zu suchen und habe angefangen, einen Weg zu finden, ihn selbst zu gestalten.

Das Projekt entstand aus deinem Familienarchiv: Wie wichtig war dieser persönliche Moment für die Definition der Vision von Menabòh?

Es war alles: Diese Geste, das Umgestalten eines Kleidungsstücks meiner Mutter gemeinsam mit Designerinnen, anstatt etwas Neues zu kaufen, hat jede spätere Entscheidung geprägt. Die kreative Ausrichtung, die Art der Beziehung, die wir zu unseren Kunden aufbauen wollen, die Sprache, die wir verwenden, sogar die Werte, die wir nicht vermitteln wollen. Menabòh spricht nicht von Nachhaltigkeit,  Wiederverwertung oder Wiederverwendung als Hauptthemen. Es geht um Schönheit, um Erinnerung, um eine sich weiterentwickelnde Identität. Und all das geht direkt auf jenen ersten Moment zurück, den ich im Archiv meiner Mutter gemeinsam mit ihr erlebt habe. Wenn der Ausgangspunkt authentisch ist, fügt sich alles andere leichter zusammen. 

Menabòh wurde in Italien gegründet, entwickelt sich aber auch anderswo weiter: Was hat der amerikanische Markt erkannt, was sich in Europa vielleicht noch in der Entwicklung befindet?

Der Markt, dem wir uns derzeit am nächsten fühlen, ist London, und genau auf europäischer Ebene konzentrieren wir unsere Expansion im Jahr 2026. London und New York haben vieles gemeinsam: ein kultiviertes Publikum mit einer im Laufe der Zeit aufgebauten Garderobe, das die Phase des Sammelns bereits hinter sich gelassen hat und nun Wert auf Pflege legt. Es sind zwei Märkte, die miteinander kommunizieren, wenn auch mit unterschiedlichen Nuancen. Der Unterschied besteht darin, dass London eine eher europäische Sensibilität für die italienische Handwerkskunst und für die Geschichte hinter dem Kleidungsstück hat, und es gibt eine ästhetische Übereinstimmung, die den Dialog natürlicher macht.  Heute betrachten wir daher Italien, London und New York als drei sich ergänzende Märkte: Italien wegen seiner kulturellen und handwerklichen Wurzeln, London wegen seiner Affinität zu unserer Vision und seinem Wachstumspotenzial und New York wegen jener Kultur der Auswahl und des Aufbaus einer Garderobe mit Absicht, die weiterhin in einem intensiven Dialog mit unserem Ansatz steht.

In einem von Geschwindigkeit dominierten Modesystem scheint Ihr Ansatz fast gegen den Strom zu schwimmen: Haben Sie das Gefühl, dass Zeit heute zu einem echten kreativen Material geworden ist?

Absolut ja. Die Zeit fließt auf sehr greifbare Weise in unseren Prozess ein. Ein Kleidungsstück, das zwanzig Jahre alt ist, hat eine bestimmte Konstruktion, eine bestimmte Stoffqualität und eine Geschichte im Körper dessen, der es getragen hat – all das lässt sich nicht reproduzieren. Wir arbeiten nicht mit neutralen Materialien: Wir arbeiten mit Objekten, die bereits eine Geschichte hinter sich haben. Das verändert alles: die Art und Weise, wie wir dem Kunden zuhören, wie wir die kreative Richtung entwickeln, wie wir an die Umsetzung herangehen. Die Geschwindigkeit in der zeitgenössischen Mode hat genau das genommen: die Möglichkeit, dass ein Kleidungsstück im Laufe der Zeit an Bedeutung gewinnt. Wir setzen dort an, wo die Geschwindigkeit aufhört.

Euer Prozess geht immer von einem bestehenden Kleidungsstück des Kunden aus: Wie stark beeinflusst die persönliche Geschichte des Kunden die endgültige kreative Ausrichtung?

Sehr stark, und das ist vielleicht der empfindlichste und schönste Teil des Prozesses. Jeder Kunde kommt mit einem Kleidungsstück, aber er kommt auch mit einer Geschichte. Manchmal erzählt er sie ausdrücklich, manchmal spürt man sie in der Art und Weise, wie er über dieses Stück spricht. Unsere Aufgabe ist es, dieser Geschichte zuzuhören und die kreative Richtung zu finden, die ihr gerecht wird, ohne daran festgefahren zu bleiben. Das Ergebnis muss zeitgemäß und heute tragbar sein, aber es muss etwas von seinem Ursprung in sich tragen. Dieses Gleichgewicht zwischen Erinnerung und Gegenwart ist das Herzstück unseres kreativen Prozesses.

Was ist der komplexeste Teil des Prozesses zwischen Briefing, Design und Umsetzung?

Der komplexeste Moment ist die Umsetzung: das, was der Kunde empfindet, in etwas zu verwandeln, das wir auf kreativer Ebene interpretieren und umsetzen können, ohne dabei das Wesentliche aus den Augen zu verlieren. Das Briefing ist nie nur eine Liste von Anweisungen, sondern ein emotionales Dokument und nicht nur ein technisches. Und die kreative Leitung muss präzise genug sein, um die Umsetzung zu leiten, aber offen genug, um Raum für handwerkliches Können zu lassen. Unsere Aufgabe ist es, den Faden zwischen dem, was der Kunde erlebt hat, dem, was wir schaffen wollen, und dem, was das Atelier am besten kann, aufrechtzuerhalten. Es ist ein Prozess der gemeinsamen Gestaltung hin zu einem einzigartigen Ergebnis.

Inwiefern verändert das Konzept des „One-of-One“ den wahrgenommenen Wert eines Kleidungsstücks im Vergleich zur traditionellen Produktion?

Das „One-of-One“ ist in unserem Fall eine unvermeidliche Folge des Prozesses. Es gibt kein zweites identisches Kleidungsstück, weil es kein zweites identisches Archiv, keine zweite identische Geschichte und keinen zweiten identischen Körper gibt. Dies verändert die Beziehung zwischen dem Träger des Kleidungsstücks und dem Kleidungsstück selbst grundlegend: Du kaufst nicht etwas, das auch jemand anderes haben könnte, sondern vervollständigst etwas, das bereits dir gehörte. In der traditionellen Produktion wird der Wert von außen geschaffen: durch die Marke, durch künstliche Knappheit, durch kollektives Verlangen. In unserem Fall kommt der Wert von innen: davon, wer du bist, was du erlebt hast, was du weiterführen möchtest.

Was verrät die Art und Weise, wie jemand seine Kleidung aufbewahrt?

Alles. Der Kleiderschrank ist einer der ehrlichsten Spiegel, die wir haben, und meistens schauen wir nicht wirklich hinein. Was wir aufbewahren und was wir loslassen, sagt etwas darüber aus, wie wir uns selbst sehen, wer wir waren und wer wir werden wollen. Manche Menschen besitzen Kleidungsstücke, die sie seit Jahren nicht mehr tragen, von denen sie sich aber nicht trennen können: Oft verbirgt sich dahinter eine emotionale Bindung, die sie noch nicht verarbeitet haben. Andere haben perfekt gepflegte Kleiderschränke, in denen jedes Teil an seinem Platz ist, und das sagt etwas ganz Bestimmtes über ihr Verhältnis zur eigenen Identität aus. Was mir am häufigsten auffällt, ist, dass die Kleidungsstücke, die die Leute zu uns bringen, diejenigen sind, auf die sie nicht verzichten können, diejenigen, von denen sie nicht mehr wissen, wie sie sie tragen sollen, diejenigen, die ihnen wirklich am Herzen liegen – sie sind die interessantesten und meist auch die schönsten.

Was sollte sich in einer idealen Zukunft an der Art und Weise ändern, wie Menschen ihre Garderobe betrachten?

Dass sie aufhören, sie als einen Raum zu betrachten, den es zu füllen gilt, und anfangen, sie als ein Archiv zu sehen, das gepflegt werden muss. Es ist ein Unterschied in der Sichtweise, noch bevor es um das Verhalten geht. Ein Archiv entsteht nach und nach. Jedes Teil hat einen Grund, dort zu sein, eine Geschichte, ein Potenzial. In einer idealen Zukunft würden die Menschen kein neues Kleidungsstück kaufen, ohne sich zuvor zu fragen, was sie bereits besitzen und wie sich dies weiterentwickeln könnte. Nicht, weil es nachhaltiger ist – obwohl es das ist –, sondern weil es interessanter, persönlicher und authentischer ist. Die begehrenswerteste Garderobe ist die, die du bereits besitzt.