Sofia Coppolas weiblicher Blick Die ästhetischen Codes eines Filmemachers, der zur Ikone wurde

Wenn es nur darum geht, herauszufinden, welcher Regisseur hinter einem Film steht, bedeutet das, dass der betreffende Regisseur etwas Bedeutendes, Neues und Persönliches geschaffen hat, eine eigene Welt, in der Details und Handlungen von Film zu Film unterschiedlich sind und dennoch magisch erkennbar bleiben. Sofia Coppolas „weiblicher Blick“ - wie sie ihn nannte - verweilt über Pyramiden aus pastellfarbenen Macarons, Reihen von Satinschuhen, einer Landschaft aus Make-up und Parfüm, die in The Bling Ring eine perverse Wendung nimmt und wie keine andere die Geschichte von Mädchen im Teenageralter erzählt. „Es war eine Art Sorge“, sagte sie, „Teenagerfilme respektierten das Publikum nicht, ihre Qualität war schlecht. Und um Teenager zu erschießen, wählten sie immer 30-Jährige. “ Anlässlich des Geburtstages einer der vielseitigsten Figuren des zeitgenössischen Kinos und in Erwartung der Veröffentlichung ihres neuen Priscilla Presley-Biopics blicken wir auf drei Filme zurück, die in Bezug auf Ästhetik und Kostüme Maßstäbe für kommende Generationen von Filmemachern gesetzt haben.

Die Selbstmorde der Jungfrau (1999)

Die Ästhetik von Virgin Suicides beeinflusste eine ganze Generation gelangweilter Teenager, die in einer modernen Welt leben, in der die Repräsentation weiblicher Sexualität immer noch kastriert und problematisch ist. Coppola arbeitete mit der Kostümdesignerin Nancy Steiner zusammen, um dieselbe authentische Kindheit der 1970er Jahre inmitten von jungfräulichen Spitzenkleidern, Bandeau-Tops und geblümten Maxiröcken nachzubilden. Es ist eine Bildsprache, die so eindrucksvoll ist, dass sie einen festen Platz in Rodartes extravaganter Ästhetik und in Coppolas Zusammenarbeit mit ihrem Freund und Designer Marc Jacobs hat (die Daisy-Kampagnen der Regisseurin beziehen sich eindeutig auf die Welt der Schwestern von Lissabon). Genau wie die Gegenstände, die den Alltag der Schwestern prägen — Ikonen der Jungfrau Maria und pinke Lippenstifte — zeigen auch ihre Outfits die Widersprüche, die die damalige Jugendmode ausmachten: Unschuld versus aufkeimende Sexualität, ein rosafarbener BH, der über einem Kruzifix thront. Das Gefühl der Unterdrückung durch strenge elterliche Vormundschaft setzt sich in der Kleidung fort: im Alltag durch die traditionell kastenförmigen Schuluniformen, in der Ballszene durch die langen, hellen Kleider mit kaum wahrnehmbaren Blumen, die an das Gunne Saxophon erinnern, das zu dieser Zeit bei jungen Mädchen beliebt war. Ein keuscher „Präriehaus“ -Look, der prompt durch Lux' (Kirsten Dunst) Geste gedämpft wird, als sie den Namen ihres Dates auf die Unterwäsche schreibt, die sie zur Party trägt.

Verloren in der Übersetzung (2003)

Obwohl in Lost in Translation im Gegensatz zu anderen Filmen wie Marie Antoinette, The Bling Ring und The Beguiled Mode nicht im Mittelpunkt der Erzählung der Identität der Charaktere steht, weist Suzanne Ferriss darauf hin, wie die Kostüme des Films die Entwicklung der Beziehung zwischen Bob und Charlotte widerspiegeln. In dem Essay, der seinen Titel dem preisgekrönten Film entlehnt, beschreibt der Autor die Komplexität der Dreharbeiten (27 Tage ohne Genehmigung in Tokio) und untersucht Coppolas Anspielungen auf die bildende Kunst, die subtile Farbpalette und den ausdrucksstarken Einsatz von Musik statt Worten. Scarlett Johanssons Unterteil in einem durchsichtigen rosa Höschen wurde für die ikonische Eröffnungsszene des Films ausgewählt, eine Anspielung auf den Maler John Kacere, der oft Frauen in Dessous darstellte. In der Karaoke-Szene, in der Murray More Than This von Roxy Music singt, trägt die Schauspielerin eine pastellrosa Perücke, die Natalie Portmans Outfit in Closer um ein Jahr vorwegnimmt. Charlotte zwingt Bob zunächst, ein umgekehrtes orangefarbenes Tarnhemd zu tragen, um auszugehen. Von da an ist jedes Outfit „ein Zeichen ihrer Verbundenheit: Er erlaubt ihr, sein Aussehen zu ändern“. Persönliche Kleidungsstücke wie Bademäntel und Pyjamas festigen ebenfalls ihre Beziehung: Wenn sie sich im Fitness-Lift treffen, „tragen sie denselben weißen Frotteebademantel, den das Hotel zur Verfügung stellt. Wenn sie zusammen schlafen [...] in dunklen Pullovern [...], registriert das parallele Outfit spontan ihre gegenseitige Kompatibilität.“ Die Einsamkeit der Figuren sticht vor dem Hintergrund eines futuristischen Tokios hervor, doch zum ersten Mal in Coppolas Werk spielen die Kostüme eher eine erzählerische als eine symbolische Rolle.

Marie Antoinette (2007)

Bei den Oscars 2007 gewannen Milena Canoneros Kostüme für Marie Antoinette einen Oscar, weil die Filmkostüme zwar historisch gesehen nicht der Garderobe von Louis' XVI. Königin-Gemahlin entsprachen, aber die schiere Pracht und der Luxus, den die Filmkostüme ausstrahlten, machten sie zu einem repräsentativen Porträt von Versailles und der französischen Monarchie am Ende ihrer Zeit. Canonero und sechs Assistenten entwarfen die Kleider, Hüte, Kleider und Kostüme für die Bühne. Außerdem gab es zehn angestellte Arbeiter und die Garderobenabteilung hatte mehrere Fahrer für den Transport, während die Garderobenabteilung in 24-Stunden-Schichten arbeitete, um den Produktionsanforderungen gerecht zu werden. Schuhe wurden von Manolo Blahnik und Pompei geliefert, Hunderte von Perücken und Frisuren wurden von Rocchetti & Rocchetti hergestellt, und an Schmuck mangelte es nicht. Das französische Haus Fred Leighton lieferte ausschließlich Edelsteine im Wert von fast 4 Millionen US-Dollar. Laut dem London Times Magazine überreichte Sofia Coppola Milena Canonero zu Beginn der Vorproduktion eine Schachtel mit Buntstiften: „Sie sagte mir: Das sind die Farben, die ich liebe, also habe ich sie als Palette verwendet - sagte die Kostümdesignerin - ich habe den sehr schweren Look des 18. Jahrhunderts vereinfacht. Ich wollte, dass es glaubwürdig, aber stilisierter ist.“ Noch heute, mehr als 15 Jahre nach seinem Kinostart, erweist sich der Film als intimes Porträt der tragischen Ereignisse der Königin und füllt nun die Pinterest-Boards mit einem Film, der perfekt das Gewicht der Mode verkörpert, das den Erfolg der ewigen Bildsprache eines Films bestimmt.