«A roupa não é apenas uma forma de expressão pessoal, mas um elemento capaz de contar histórias» Entrevista a Cecilia Molardi, a designer que transforma cada coleção numa história para vestir

Para Cecilia Molardi, nascida em 1992 e fundadora do Amelia Design Studio, a moda nunca foi apenas uma questão de roupa. Antes mesmo de se tornar uma profissão, foi uma linguagem, um jogo criativo a que a sua mãe chamava «o mundo das possibilidades»: imaginar algo e conseguir concretizá-lo. Com o tempo, esse jogo transformou-se numa ferramenta para expressar a própria identidade, até se tornar o meio através do qual dar forma a emoções, personagens e narrativas. Nasce assim o Amelia Design Studio, um projeto que une a linguagem teatral à alfaiataria contemporânea, dando vida a coleções sem distinção de género, produzidas artesanalmente em Itália e concebidas como verdadeiras obras narrativas. Conversámos com Cecilia Molardi sobre a relação entre teatro e moda, o valor do artesanato e o que significa hoje em dia criar roupas que contam histórias.

Entrevista a Cecilia Molardi, do Amelia Design Studio

Estudaste teatro em Paris antes de fundares o Amelia Design Studio. Houve um momento específico em que percebeste que o figurino já não te bastava e que querias contar histórias através do vestuário?

Sim, estudei teatro e representação em Paris, na sequência do meu encontro com a encenadora Chantal Melior, e em Milão, na Accademia del Teatro Arsenale, onde obtive o diploma de atriz. Foi ao viver o palco em primeira mão que me aproximei do mundo do figurino, admirando o trabalho das figurinistas nos bastidores. Percebi que a roupa não é apenas uma forma de expressão pessoal, mas um elemento capaz de contar histórias e ajudar na narrativa. No teatro, o figurino e a cenografia são verdadeiros atores adicionais: fazem parte do próprio processo narrativo. A partir daí, percebi que essa narrativa podia ser exportada para o mundo comum, para a vida quotidiana, fazendo com que a roupa se tornasse verdadeiramente a personagem. Já desde pequena, aliás, vivia o ato de me vestir como algo profundamente pessoal e, ao mesmo tempo, social: uma forma de habitar o mundo e comunicar quem somos.

As tuas coleções partem sempre de uma obra teatral ou literária. Quando começas um projeto, o que surge primeiro: uma imagem, uma personagem ou uma emoção?

Diria que todas estas coisas surgem em simultâneo. Provavelmente, a parte mais tangível, no início, é a imagem. A partir de uma emoção, cria-se automaticamente em mim uma espécie de enquadramento fotográfico, um instantâneo visual. Nesse enquadramento, sintetiza-se toda a obra, literária ou teatral, através de um conjunto de linhas, geometrias, cores, materiais e formas. Dentro desse fotograma já se encontram delineados a personagem e o espectro emocional que a rodeia, e é precisamente a partir desses elementos visuais e estruturais que se desenvolve a coleção completa.

As tuas silhuetas são declaradamente sem género, mas não parecem seguir uma tendência. O que significa para ti criar uma peça que possa pertencer a qualquer pessoa?

Da forma como sempre vivi a moda, a tendência nunca é a prioridade. Claro que, quer queiramos quer não, somos todos influenciados pelo que vemos à nossa volta, mesmo sem seguir a moda. Mas, para mim, a roupa deve expressar, acima de tudo, um estado de espírito, uma personalidade, a essência de si mesmo. Além disso, deve valorizar um corpo que precisa de se sentir confortável e à vontade, sem ser constrangido por roupas, formas e géneros pré-definidos. Para mim, desenhar peças sem género significa precisamente liberdade: libertar-se dos códigos impostos e criar formas livres, capazes de acolher a identidade de quem as veste.

Trabalha com oficinas artesanais da Lombardia e tecidos em stock. É uma escolha que surge de uma convicção ética, de necessidades de produção ou de ambas?

Nasce absolutamente de ambas as coisas. Existe, sem dúvida, uma forte convicção ética: quero apoiar as realidades mais pequenas e artesanais, em particular as italianas. O nosso país tem uma tradição manufatureira extraordinária e lamentaria que o artesanato fosse esmagado pela produção industrial, pela sobreprodução e pela exploração. Há também uma ligação pessoal: eu própria comecei como costureira artesanal e sou natural de Cremona, uma cidade onde o artesanato está presente em todo o lado, graças à tradição da luteria. O conceito de oficina e de «trabalho lento» faz, portanto, parte da minha formação e define aquilo que amo. A tudo isto juntam-se, obviamente, as necessidades de produção: sendo uma pequena marca emergente, trabalhar com pequenos ateliês permite-me gerir quantidades mínimas reduzidas e ter muito mais flexibilidade. Isto traduz-se num método de trabalho mais atento aos detalhes e menos apressado. O mesmo se aplica à utilização de tecidos em stock: é uma escolha motivada tanto por razões éticas — para evitar a sobreprodução e o desperdício — como pela necessidade prática de gerir as quantidades de forma sustentável e adaptada à minha realidade.

Se o Amelia Design Studio fosse lembrado por uma única coisa daqui a dez anos, qual esperas que seja?

Do ponto de vista conceptual, gostaria que ficasse a ideia dovestuário como personagem e como narrativa pura. Esta ligação profunda entre o teatro e a moda não fui certamente eu que a inventei, mas, no meu caso, é verdadeiramente visceral: sinto e concebo cada coleção exatamente como se fosse um espetáculo a encenar. Mas na vida quotidiana. Do ponto de vista tangível, por outro lado, gostaria que, da marca, fosse sobretudo lembrado o conjunto de blazer e calças. Gostaria que a minha pesquisa na conceção de novas linhas e de uma nova forma de entender o fato fosse reconhecida e apreciada: silhuetas um pouco mais quadradas, estruturadas, mas ao mesmo tempo envolventes e não demasiado rígidas. Seria uma enorme satisfação pessoal e profissional que esta minha silhueta encontrasse o seu lugar na história do blazer, criando um novo e icónico «fato».