Andrea Cleopatria: „Ich stellte mir vor, Venerus lehnt sich an einen Baum, eingetaucht in das Nichts“ Der Mailänder Künstler erzählt uns, wie er das Cover für das neue Album von Venerus kreiert hat

Am 7. November wird Venerus sein neues Album veröffentlichen. Das Cover ist ein Öl auf Leinwand, signiert von Andrea Cleopatria, einer Mailänder Künstlerin, mit der der Musiker seit 2018 an Videoclips, Kunstwerken und Bühnenbildern zusammenarbeitet: nicht nur ein Dienstbild, sondern ein Hörgerät, das vor dem ersten Ton Ton und Erwartungen festlegt. Das Gemälde Speriamo (1×1 m) zeigt einen Mann, der sich an einen Baum lehnt, ein Motorrad in Ruhe, einen schattigen Wald und eine Morgendämmerung am Horizont. Es erzählt nicht die Geschichte eines Liedes: Es kristallisiert den Moment des Friedens heraus, den die Musik zu reaktivieren verspricht. Die Wahl der Holzplatte und die geschichtete, glasierte Konstruktion sorgen für taktile Tiefe und kontrolliertes Licht: eine warme, dichte Wiedergabe, die als emotionales Metronom des kommenden Tracks fungiert. Dadurch entsteht ein Mitautorenverhältnis: Das Cover schmückt nicht, es umrahmt die Art und Weise, wie das Album darum bittet, gehört zu werden. Daher der Übergang von Nachrichten zur kritischen Lektüre: Was wir sehen, leitet die Musik nicht ein, es moduliert sie. Das Bild definiert den Eintrittspunkt des Tons. Das Gemälde baut eine räumliche Metrik auf (Hierarchien, Tiefe, Vektoren), die das Zuhören in eine zeitliche Metrik (Erwartung, Befreiung, Wiederholung) übersetzt. Mit anderen Worten, das Cover lässt die Architektur der Strecke erahnen. Die visuelle Pause, der stille Körper, die unterbrochene Bewegung, die zurückhaltende Morgendämmerung, dient als Vorverzögerung: Sie erzeugt ein emotionales Druckfeld vor dem Angriff.

Bild und Ton funktionieren hier eher durch Transduktion als durch Übersetzung. Das Bildmaterial (Öl, Lasuren, Holzmaserung) wirkt wie Audioparameter: sanfte Sättigung, kontrollierte Dynamik, warmes Timbre. Kein „visuelles Thema“ der Aufnahme, sondern ein Wahrnehmungsalgorithmus, den das Gehirn beim Zuhören anwendet: worauf muss man sich konzentrieren, wie nah ist die Stimme zu hören. Schließlich setzt das Cover eine Schwelle: Es ist mehr als ein Rahmen, es ist ein Pakt zum Zuhören. Es bestimmt die Körperhaltung (bleiben, atmen, warten) und eine mögliche Gemeinschaft (die Hand, die den anderen einlädt). Auf diese Weise bremst das Bild den Konsum und gibt Ton zurück, was es in der Produktionskette oft verliert: einen Anfang mit der Form.

Interview mit Cleopatria, der Malerin von Venerus' neuem Albumcover, erscheint am 7. November

Wie wurde die Ikonographie des Gemäldes konzipiert: der Waldeingang, der „umarmende“ Baum, das Motorrad und die hinter dem Kofferraum verschlungene Hand?

Die Idee entstand aus dem Wunsch heraus, einen Moment „einzufrieren“. Ich ging davon aus, dass eine Musikaufnahme von Natur aus „in Bewegung“ ist, und wollte stattdessen auf den Moment eingehen, in dem man aufhört. Ich stellte mir Venerus vor, wie er sich an einen Baum lehnte, eingetaucht in das Nichts, auf der Suche nach einem Moment der Ruhe. Die Umgebung ist dunkel, aber im Hintergrund sieht man eine Morgendämmerung, ein Symbol der „Hoffnung“, zusammen mit der linken Hand, die im Universalzeichen die Finger kreuzt.
Das Motorrad steht für das Fortbewegungsmittel, während die Hände die Botschaft vermitteln: Die rechte Hand verflechtet sich tatsächlich mit einer anderen Hand, der Hand eines jeden, der zuhören möchte.

Du hast von Techniken und Materialien gesprochen, die du selbst vorbereitet hast: Welche Schritte hast du befolgt (Untergrund, Medium, Lacke) und wie haben sie sich auf die Haut, das Licht und die Schattierung der Szene ausgewirkt?

Aus technischer Sicht begann ich mit einer klassischen Basis, die in verschiedenen Schritten gegliedert war. Das Gemälde ist Öl auf Holztafel, nicht auf Leinwand. Die erste Phase betraf die Auswahl des Holzes und die Vorbereitung der Platte. Ich verwende eine persönliche Mischung, eine Art Rezept, das ich im Laufe der Zeit entwickelt habe, als Grundlage. Nach dem Auftragen bearbeite ich die Oberfläche, um sowohl die Farbwiedergabe als auch die Glätte des Pinsels zu beeinflussen. Die dunklen Atmosphären und Kontraste mit hellen Lichtern wurden durch Glasuren erzielt, wobei Farben übereinander gelegt wurden, die sich kombinieren und Nuancen erzeugen. Um sie herzustellen, gehe ich von Pigmenten aus, die ich je nach Schicht mit verschiedenen Ölen und Medien mische. In diesem Bild habe ich die Farben viel mit Öl „gemästet“, um eine besondere Helligkeit und Brillanz zu erzielen.

Venerus wird „aller Ornamente beraubt“ dargestellt. Wie hast du die Pose und die Atmosphäre aufgebaut? Hast du anhand von Live-Sessions, fotografischen Referenzen oder indem du dich vom Anhören der Tracks im Studio leiten lassen hast?

Anfangs war die Pose anders: In der Vorbereitungsskizze wurde Venerus von hinten gezeichnet und angezogen. Als die Zeichnung jedoch auf das Panel übertragen wurde, überzeugte mich das Bild nicht. Ich hatte das Bedürfnis, es einladender zu gestalten. Mir gefiel die Idee, ihn ohne überflüssige Elemente darzustellen: ohne Armbänder, Ohrringe oder Tattoos — wie Sie sagen, „ohne Schmuck“. Ziel war es, zu einer einfachen, essentiellen, fast universellen menschlichen Figur zurückzukehren. Für die erste Untersuchung der Position haben wir an einem freien Tourtag einige Live-Tests in der Nähe eines Baumes durchgeführt. Als sich die Pose änderte, kam Venerus für neue Live-Studien zu mir nach Hause. Einer der besonderen Aspekte des Prozesses war die Nachbildung der „Waldkulisse“, eines Ortes, den es nicht gab, den ich von Grund auf neu gebaut habe. Ich hatte nur das Licht einer Lampe, also hat es Spaß gemacht, beim Malen die Atmosphäre und das richtige Licht zu erzeugen.

Wie haben die Themen des Albums die Palette, das Licht und die Komposition beeinflusst? Und was genau sagt die versteckte Hand, die mit der von Venerus verflochten ist, über Einheit und Glauben an die Menschheit aus?

Das Gemälde und das Album wurden parallel entwickelt. Manche Tracks haben die gleiche Atmosphäre wie das Gemälde, andere scheinen anderen Welten anzugehören. Doch zusammen ergeben sie eine kohärente Erzählung. Man kann sich vorstellen, dass Venerus auf dem Bild gerade anfängt, die Songs des Albums zu singen, oder dass er sie gerade gesungen hat. Die Idee war, einen Moment hervorzuheben, der sich von dem Moment der Songs selbst unterscheidet. Die Hand, die mit der von Venerus verflochten ist, gehört, wie ich bereits erwähnt habe, keiner bestimmten Person: Sie steht für eine Kollektivität, eine Vereinigung im Zuhören und in der Hoffnung. Hinter dem Baum könnte jeder sein.