Andrea Cleopatria: “Imaginei Venerus encostado a uma árvore, imerso no nada” O artista milanês conta-nos como criou a capa do novo álbum do Venerus

No dia 7 de novembro, o Venerus lançará o seu novo álbum. A capa é um óleo sobre painel assinado por Andrea Cleopatria, artista milanesa com quem o músico colabora desde 2018 através de videoclipes, obras de arte e designs de palco: não apenas uma imagem de serviço, mas um dispositivo de escuta que dá tom e expectativa antes da primeira nota. A pintura, Speriamo (1×1 m), retrata um homem encostado a uma árvore, uma moto em repouso, uma floresta sombria e uma linha de alvorecer no horizonte. Não conta a história de uma canção: cristaliza o momento de paz que a música promete reativar. A escolha do painel de madeira e a construção envidraçada em camadas proporcionam profundidade tátil e luz controlada: uma renderização quente e densa que funciona como o metrônomo emocional da pista que está por vir. Isto cria uma relação co-autoral: a capa não decora, enquadra a forma como o álbum pede para ser ouvido. Daí a passagem do noticiário para a leitura crítica: o que vemos não introduz a música, modula-a. A imagem define o ponto de entrada do som. A pintura constrói uma métrica espacial (hierarquias, profundidade, vetores) que a escuta traduz em métrica temporal (antecipação, libertação, repetição). Ou seja, a capa prenuncia a arquitetura da pista. A pausa visual, corpo imóvel, movimento suspenso, amanhecer contido, funciona como um pré-atraso: cria um campo de pressão emocional antes do ataque.

Aqui, a imagem e o som funcionam mais por transdução do que por tradução. A matéria pictórica (óleo, esmaltes, grão de madeira) atua como parâmetros de áudio: saturação suave, dinâmica controlada, timbre quente. Não um “tema visual” do registo, mas um algoritmo perceptivo que o cérebro vai aplicar à escuta: no que focar, quão perto de ouvir a voz. Finalmente, a capa estabelece um limiar: mais do que um quadro, é um pacto de escuta. Define uma postura (para ficar, respirar, esperar) e uma comunidade possível (a mão que convida o outro). Desta forma, a imagem desacelera o consumo e devolve ao som o que muitas vezes perde na cadeia produtiva: um começo com a forma.

Entrevista com Cleopatria, a pintora da capa do novo álbum do Venerus, a 7 de novembro

Como foi concebida a iconografia da pintura: a entrada da floresta, a árvore “abraçadora”, a motocicleta e a mão entrelaçada atrás do tronco?

A ideia surgiu da vontade de “congelar” um momento. Tendo como certo a natureza inerentemente “em movimento” de um disco musical, queria, em vez disso, insistir no instante em que se pára. Imaginava Venerus encostado a uma árvore, imerso no nada, à procura de um momento de tranquilidade. O ambiente é escuro, mas ao fundo vislumbra-se uma aurora, símbolo de “esperança” junto com a mão esquerda, que cruza os dedos no sinal universal.
A moto representa o meio de deslocação, enquanto as mãos transmitem a mensagem: a mão direita, de facto, entrelaça-se com outra mão, a mão de quem deseja ouvir.

Falou de técnicas e materiais que preparou: que passos seguiu (solo, médio, vernizes) e como afetaram a pele, a luz e o sombreamento da cena?

Do ponto de vista técnico, iniciei com uma base clássica, articulada em vários passos. A pintura é a óleo sobre painel de madeira, não sobre tela. A primeira fase consistiu na escolha da madeira e na preparação do painel. Uso uma mistura pessoal, uma espécie de receita que desenvolvi ao longo do tempo, como base. Após a aplicação, trabalho a superfície para influenciar tanto a renderização cromática como a suavidade do pincel. As atmosferas escuras e contrastes com luzes brilhantes foram obtidos através de esmaltes, camadas de cores que combinam e geram nuances. Para criá-los, começo pelos pigmentos, que misturo com diferentes óleos e meios consoante a camada. Nesta pintura, “engordei” muito as cores com óleos, para obter um brilho e brilho particulares.

Venerus é retratado “despojado de todos os ornamentos”. Como construiu a pose e a atmosfera? Trabalhou a partir de sessões ao vivo, referências fotográficas, ou deixando-se guiar ouvindo as faixas no estúdio?

Inicialmente, a pose era diferente: no esboço preparatório, Venerus era desenhado por trás e vestido. No entanto, uma vez transferido o desenho para o painel, a imagem não me convenceu. Senti a necessidade de o tornar mais acolhedor. Gostei da ideia de o retratar sem qualquer elemento supérfluo: sem pulseiras, brincos ou tatuagens — como dizem, “despojado de ornamentos”. O objetivo era voltar a uma figura humana simples, essencial, quase universal. Para o estudo inicial da posição, fizemos alguns testes ao vivo, perto de uma árvore, durante um dia livre de passeio. Quando a pose mudou, o Venerus veio à minha casa para novos estudos ao vivo. Um dos aspetos mais particulares do processo foi recriar o cenário da “floresta”, um lugar que não existia, que construí do zero. Eu só tinha a luz de uma lâmpada, por isso foi divertido criar a atmosfera e a luz certa enquanto pintava.

Como os temas do álbum influenciaram a paleta, a luz e a composição? E o que exatamente é que a mão oculta entrelaçada com a palavra de Venerus sobre a unidade e a fé na humanidade?

A pintura e o álbum foram desenvolvidos em paralelo. Algumas faixas partilham as mesmas atmosferas que a pintura, outras parecem pertencer a mundos diferentes. No entanto, juntos, criam uma narrativa coerente. Pode-se imaginar que Venerus, na pintura, está prestes a começar a cantar as canções do álbum, ou que acabou de as cantar. A ideia era destacar um momento diferente do momento das próprias canções. A mão entrelaçada com a de Venerus, como referi anteriormente, não pertence a nenhuma pessoa específica: representa uma coletividade, uma união na escuta e na esperança. Atrás daquela árvore, pode haver qualquer um.